Klaus Nomi

En el post pasado hablabamos de Farinelli y haciamos mencion sobre la banda sonora con la cual tuvieron que imitar el tono vocal del mismo, pero hago de tu conocimiento que en epocas contemporaneas existio un singular personaje que dio vida a una soprano sin tener que pasar por la traumatica experiencia de la castracion y este fue Klaus Nomi, pero quien fue el, ah pues aqui va una breve reseña acerca de el, quizas a algunos les parezca aburrido tanto bla, bla, bla pero como a mi eso me importa un pito ahi les va:

Klaus Nomi nació el 24 de enero, de 1944 en la ciudad de Immenstadt im Allgäu, en el estado de Baviera, en Alemania, bajo el nombre de Klaus Sperber. "Provenía de una familia de artistas, y desde temprana edad demostró pasión por la ópera. Auspiciado con las pequeñas monedas que le entregaba su abuela, el pequeño Klaus, a diferencia del resto de los niños de post guerra, en vez de comprar dulces juntaba cada moneda para comprar discos de su gran pasión, la ópera".

En los años 1960, durante su juventud trabajó como ayudante en la Ópera Alemana de Berlín, ubicada en el oeste de la ciudad. Después de cada presentación de ópera, Klaus cantaba al personal de mantenimiento música de Maria Callas y Elvis Presley, en el escenario ubicado enfrente del telón de seguridad. En éste mismo periodo también interpretó arias de óperas en un club nocturno gay de Berlín denominado Kleist Casino.

A mediados de 1970, Nomi se trasladó a la ciudad de Nueva York, y se involucró en el ambiente artístico del vecindario East Village. Adicionalmente, decidió cambiar su nombre artístico a Nomi, un anagrama proveniente de la palabra "Omni", que era el título de su revista favorita que trataba de extraterrestres. Según un documental titulado "The Nomi Song" (2004), realizado por el productor Andrew Horn, Nomi se inscribió en lecciones de canto con la artista Ira Siff y subsistía mediante un trabajo de chef de repostería. Ira Siff, su maestra declaró en una entrevista:

“El era un hombre dulce, muy sincero, y tímido. El es la única persona que dio sentido a la mezcla de la ópera con el pop, y que comprendía ambos estilos y los hizo funcionar conjuntamente. El llevó su voz a lugares y sonidos lejanos, que la gente jamás había escuchado antes”.

En 1972, Nomi se unió a la compañía de teatro de Charles Ludlam, y apareció en una producción satírica de tipo afeminado basada en la ópera titulada “El oro del Rin" (en alemán: "Das Rheingold") perteneciente al compositor Richard Wagner. En esta presentación, Nomi desarrolló por primera vez la imagen escénica de extraterrestre.

Sin embargo, Nomi llamó la atención del escenario artístico de Nueva York en 1978, con su participación en la obra “New Wave Vodevil”, un evento con duración de cuatro noches, organizado por el artista David McDermott y donde se realizaron aproximadamente treinta actos interpretados por distintos personajes del ambiente artístico. Vestido con un ajustado traje espacial y con una capa de plástico transparente, Klaus cantó el aria “Mon coeur s’ouvre a ta voix” ("mi corazón se abre a tu voz") de la ópera Samson et Dalila de 1877 compuesta por Camille Saint-Saëns. La presentación culminó con un una caótica iluminación estroboscópica, bombas de humo, y estridentes sonidos de efectos electrónicos, mientras Nomi se alejaba del escenario. Joey Arias recuerda, "todavía se me eriza la piel cuando lo pienso… Era como que si él fuera de un planeta diferente y sus padres lo estaban llamando para que vaya a su casa. Cuando el humo se aclaró, el desapareció." La reacción fue irresistiblemente positiva y recibió numerosas invitaciones para que se presentase en clubes alrededor de toda la ciudad de Nueva York.

Nomi fue ganando confianza en sus presentaciones y juntó a un grupo de prometedores artistas para que colaborasen como bailarines y coristas en sus variadas funciones, e incluían personalidades como Joey Arias, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, John McLaughlin (quien también usaba el pseudónimo “Johnny Sex”), Madonna y Kenny Sharf.

David Bowie, había escuchado sobre las presentaciones en Nueva York de Nomi, y después de tener la oportunidad de conocerlo a él con Joey Arias durante una noche en el club nocturno “Mudd Club”, los contrató a ambos como coristas para su aparición en el programa televisivo Saturday Night Live, el cual se estrenó el 15 de diciembre de 1979, y donde interpretaron la canción “The Man Who Sold the World”.

Sin embargo, Bowie nunca los volvió a tomar en cuenta a Nomi y a Arias. No obstante, esta presentación con Bowie, le abrió las puertas, y es así que recibió el apoyo de la discográfica RCA, y produjo su primer álbum titulado Klaus Nomi, en 1981Éste disco incluye su primer éxito “Total eclipse”, “The Cold Song” y “Mon coeur s’ouvre a ta voix”, entre otras. Nomi alcanzó gran popularidad, y realizó una gira musical por diversos países europeos y norteamérica. Además realizó diversos videos, como el documental, “Urgh! A Music War” (1981), que trata sobre el rock, y donde se exhibe la presentación en vivo de Nomi, “Total Eclipse”. De acuerdo con Kristian Hoffman, "Nomi es más recordado por el público por su interpretación de la canción titulada “The Cold Song”" o “El aria fría”, de Henry Purcell, perteneciente a la obra “El rey Arturo”, tercer acto.

Nomi, en su canción “Total eclipse” hace diversas referencias a la obra Sansón de Handel. Principalmente en el oratorio de Handel, Sansón es prisionero de los filisteos, y Nomi en su canción sustituye su propio destino al de Sansón. Más claro, para Nomi los filisteos equivalen a la sociedad heterosexual que rechaza a los homosexuales.

Nomi también realizó una colaboración con el productor Man Parrish, apareciendo como corista en la pista “Six Simple Synthesizers” del álbum llamado Hip Gop Bee Bop. En 1982 publicó su segundo disco titulado Simple Man, que contiene una mezcla de canciones pop y de ópera. Entre los temas más importantes están canciones compuestas por John Dowland, extractos de la ópera Dido y Eneas (Purcell), “Falling in Love Again” de la película El ángel azul que es un clásico cantado por Marlene Dietrich, y “Ding Dong the Witch is Dead" del filme El mago de Oz, entre otras. Desafortunadamente, tuvo que alejarse abruptamente de los escenarios en 1983, debido a que su salud empezó a decaer.

Tuvo una corta trayectoria musical, falleciendo el 6 de agosto de 1983 a consecuencia del sida, convirtiéndose en uno de los primeros famosos en morir a causa de la enfermedad, en una época en donde se creía que era la plaga de la comunidad gay y se conocía muy poca información sobre esta.[12] Nomi murió a los 39 años, abandonado durante sus últimos días de vida por la mayoría de sus amistades cercanas y asociados. Sus cenizas fueron esparcidas en Nueva York, de acuerdo a su expreso deseo. Joey Arias relató los últimos días de Nomi:

“Ellos me hicieron utilizar una funda plástica cuando lo visité. Tenía prohibido toparle. Después de unas pocas semanas parecía haber mejorado. Tenía la fortaleza para caminar. Entonces abandonó el hospital y se fue a su casa. Su mánager le hizo firmar todos los papeles, como que si su vida valiera $500. Él desarrolló kaposis (un tipo de lesión asociada con el sarcoma de kaposi, que es una forma extraña de cáncer de piel relacionada con el sida), y empezó a tomar interferón. Eso le afectó terriblemente. Tenía marcas en todo su cuerpo y sus ojos tenían hendiduras púrpuras. Era como si alguien lo estuviera destruyendo. El solía hacer gracia de eso. El decía, ‘ahora llámenme el Nomi de puntos’. Después realmente se debilitó, y lo llevamos de urgencia al hospital. El no podía ingerir alimentos por días porque tenía cáncer estomacal. Luego el herpes le brotó por todo su cuerpo. Se había convertido en un monstruo. Me dolía tanto verlo. Yo hablé con él la noche del cinco de agosto. El me dijo, ‘¿Joey y ahora qué hago? Ya no me quieren más en el hospital. Ya me desconectaron de todas las maquinas. Tengo que parar todo esto porque no estoy mejorando’. Yo tuve un sueño de que Klaus se mejoraba y cantaba nuevamente, solo que esta vez un poco deformado, así que ahora tenía que estar detrás de una pantalla o algo. Le dije, ‘Ahora tu serás el fantasma de la ópera’. Haremos presentaciones juntos. El me respondió, ‘Sí, posiblemente’. Pero Klaus murió esa noche mientras dormía."

Pues es asi como uno de los genios musicales que en contadas ocasiones pisan este mal llamado planeta tierra deambulo por aqui dejando su legado.

Les dejo este video de una de las canciones que mas me gustan llamada "Simple Man"

y en cuanto pueda les dejo un cd completa para descarga

Gracias Klaus por haber existido!!!

Farinelli

Las películas sobre grandes músicos nos suponen muchas veces a los aficionados un amargo dilema: o bien encontramos algo "muy cultural" y con una "cuidadosa" reconstrucción histórica, pero que como cine es generalmente de una pesadez insoportable; o bien algo que interesa como cine, pero sacrificando a menudo el rigor histórico, o donde lo que menos importa es decir algo sobre la música.
Por ello es todo un acontecimiento el que existan directores como el belga Gérard Corbiau, que une en su persona la pasión por la música (es crítico de ópera, al parecer) y el saber hacer buen cine. "Farinelli" (1994) le ha supuesto el conocimiento por parte de un amplio público, que ha tenido acceso a un film "cultísimo" (rodado originalmente en tres idiomas: francés, italiano e inglés) con una temática que, en otras circunstancias, se hubiera considerado muy, muy minoritaria. Se trata de la vida de Carlo Broschi, llamado "Farinelli", el más célebre de los "castrati", cantantes que en su niñez eran castrados para conservarles la voz. Una práctica, afortunadamente ya extinguida, aunque no desapareció hasta principios del siglo XX.
Los alicientes que tiene la película para un público, incluso no aficionado a la música, son muchos: una reconstrucción muy cuidada del siglo XVIII, al nivel de las mejores producciones europeas de época; una historia con "morbo" sobre el alcance sexual del protagonista, y hasta dónde puede o no puede llegar con las mujeres -las escenas eróticas son numerosas-; unos personajes creíbles, reales, no acartonados como en tantas películas similares; una muestra de las pasiones humanas, con la relación de amor-odio con su hermano Riccardo, que participó en la castración de Carlo para así poder explotar su voz. Al final, Riccardo acudirá a buscar a su hermano, que vive retirado en Madrid cantando sólo para distraer a Felipe V, para intentar la reconciliación.
En suma, una película atractiva para ser vista por todo tipo de público, aun el menos "operístico"; claro está, dentro de lo que es el cine europeo, ya se sabe que por término medio menos "asequible" que el norteamericano. Una película que se aleja del tono retórico de muchas producciones históricas, y nos presenta hechos y personajes de lo más actual: aunque sea un ejemplo anecdótico, el mismo vestuario de Farinelli nos recuerda a la "estética gay" de nuestros días, con las plumas y lentejuelas de "drag-queen".
Sobre los actores, el reparto es muy adecuado, aunque la mayor parte de ellos me son desconocidos. Con dos excepciones, que interpretan a compositores: Omero Antonutti como un Porpora sólo preocupado por el negocio, y Jerome Krabbé, que hace un fenomenal Haendel (aunque al quitarse la peluca aparezca moreno y no pelirrojo). El carácter orgulloso y despótico del genial sajón está perfectamente encarnado por Krabbé: en una película en la que son muchas las imágenes de "impacto", sirva como ejemplo aquella en la que Haendel aplasta un insecto mientras habla con los hermanos Broschi: el mensaje subyacente pudiera ser: "Así podría hacer también con vosotros".
Para un aficionado a la ópera, aparte de la ambientación, la música y los personajes, se plantean cuestiones estéticas que pueden pasar desapercibidas al resto. ¿La música como arte o como negocio? ¿Cuál es la diferencia entre una obra correcta y "comercial", y una obra genial? Por ejemplo, entre Porpora y Haendel. El protagonista, que se ha hecho rico cantando obras "comerciales", siente una atracción misteriosa por la música de Haendel, porque expresa una emoción que no tienen los productos que canta habitualmente. Y por ello llegará su conversión, llegando a cantar para el "enemigo" (Haendel escribía para un teatro rival); concretamente, el "Rinaldo".
Ciertamente, nos metemos en un terreno donde es difícil expresar con palabras lo que se siente en la escucha, y por eso la película cae a veces en un tono místico, con frases como "Despertar la parte de infinito que hay dentro de nosotros" o "Compartir el misterio", que emplea Farinelli para tratar de decir por qué la música de Haendel es grande (y la de Porpora no lo es). Prefiero una explicación totalmente opuesta: una música es tan grande, no porque nos eleve a alturas desconocidas, sino porque nos revela cosas de nosotros mismos, de la condición humana, porque es tan grande como la vida misma: ¿Cómo no imaginar que Farinelli piensa en su propia y triste situación de castrado, cuando está cantando el "Lascia ch'io pianga"? ("Déjame que llore/ mi cruda suerte/ y que añore/ la libertad").
Merece una mención la banda sonora, que intenta reconstruir la voz de "castrato" con una mezcla, realizada en los laboratorios del IRCAM de París, entre una voz de (mujer) soprano y una de contratenor. Hubiera sido perfectamente posible encomendar a un sopranista actual (como Aris Christoffelis) el dar vida a la voz de Farinelli, pero entonces se hubiera perdido el morbo añadido, para los compradores del disco, de "poseer algo que no existe en la naturaleza", "creado especialmente para la ocasión", etc. Aunque los resultados sean inferiores a los que pueda conseguir hoy una gran intérprete femenina (escúchese a Kiri Te Kanawa, en el disco "The Sorceress", cómo canta el "Lascia ch'io pianga"), al menos ha servido para convertir en superventas un disco de arias de ópera barroca.

CLAROSCURO

Como se habran dado cuenta estaba posteando mucho cine oriental, pero tambien es necesario ver otro tipo de cintas por lo cual vamos a darle un giro para no saturarlos, ahora vamos a ver otro tipo de propuestas y que les parece si nos vamos con esta excelente cinta Australiana del año 1996 llamada Claroscuro del director Scott Hicks ya que es una película que reúne muchas virtudes para el espectador: refinamiento en su lenguaje, osadía de enfoque, un drama real conmovedor y por sobre todo talento. La historia de un niño prodigio australiano, David Helfgott, acuciado por la severidad de un padre frustrado y dolorido sobreviviente del holocausto que lo impulsa al éxito pero que lo coarta en su libertad y luego ese quiebre emocional que sobreviene cuando el joven pianista logra la consagración. El peregrinaje por institutos mentales y por fin esa puerta que se abre para una felicidad posible . Ese camino fracturado y anhelante, relatado con maestría y actuado maravillosamente por Geoffrey Rush - que merecería el Oscar al mejor actor - redondean una película que le hace bien al alma. :) (musica de RACHMANINOV concierto para piano nº3)y precisamente con esta pieza de arte te dejo para que veas lo maravillosa que puede ser la especie humana cuando utiliza su potencialidad para crear y no para destruir, ademas para que te animes a ver este film

Tambien una breve semblanza de quien fue David Helfgott:
David Helfgott (19 de mayo, 1947) es un pianista Australiano. Nació en Melbourne en una familia polaca - judía y su vida inspiró la galardonada película Shine del director australiano Scott Hicks protagonizada por Geoffrey Rush. También se le conoce por su perturbación mental y por su excelente dominio del piano. Entre sus otros intereses están los gatos, el ajedrez, la filosofía, el tenis, la natación y mantenerse en buena condición física.
Helfgott adquirió reconocimiento como un niño prodigio después de que su padre comenzara a enseñarle el piano a la edad de 6 años. Cuando llegó a la edad de 10, estudió bajo la tutela de Frank Arndt, un profesor de piano de la ciudad de Perth, y ganó varias competencias locales, unas veces solo, y otras con su hermana Margaret Helfgott.
A la edad de 14 años, la comunidad musical australiana, liderada por el periodista de Perth James Penberthy y la escritora Katharine Susannah Prichard, recaudó dinero para que fuera a los Estados Unidos a estudiar música. Sin embargo, Peter Helfgott, su abusivo padre negó el permiso, argumentando que no estaba listo para ser independiente. Según cuentan los hermanos de David, llegó a golpearlo al grado de dejarlo inconsciente. A los 19 años, David ganó una beca para estudiar en el Royal College of Music de Londres, Inglaterra por tres años, donde estudió con el profesor Cyril Smith.
Durante su tiempo en Londres comenzó a evidenciar más síntomas de una enfermedad mental. Su doctor en Australia, Chris Reynolds, a quien conoció veinte años después, dijo que sufría de una ansiedad aguda y neurosis. El libro de Gillian Helfgott, Shine (Ediciones B, 1997), cita verbatim cómo David interpretaba su perturbación emocional:
“Todo es culpa de papi. Todo es culpa de papi […]. Padre tenía dentro de él una especie de demonio y un ángel al mismo tiempo, y fue así toda mi vida. Papá siempre tuvo un diablo y un ángel toda su vida. Es como una dicotomía, un desdoblamiento”.
Regresó a Perth en 1970, y se casó con su primera esposa Clara en 1971. También participo en varios conciertos de la Australian Broadcasting Corporation. después de su divorcio, fue internado en Graylands, un hospital mental de Perth. Durante los próximos diez años, recibió tratamiento psiquiátrico que incluía neurolépticos y electroshock. El problema con su padre no fue abordado con ese enfoque biologicista.
En 1984, después de presentarse por algunos años en un bar llamado Ricardo´s, conoció a la astróloga Gillian Murray. Pocos meses después se casaron y continuó una carrera exitosa durante los años 80 y 90 en Australia y en Europa. En 1994 tocó en Rusia, pero su gira mundial en 1997 trajo pocas críticas.
Helfgott generalmente prefiere tocar música romántica, en gran parte Modest Mussorgsky, Sergei Rachmaninoff, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann y Nikolai Rimsky-Korsakov.
David Helfgott reside actualmente en Happy Valley (Nueva Gales del Sur) con su segunda esposa Gillian. Continúa presentando conciertos en su hogar, 'Heaven'.
En Diciembre de 1999, David Helfgott abrió la conferencia "Geniuses, Savants and Prodigies" del centro mental de Allan Snyder. También apareció en el álbum de la banda de rock Silverchair, Neon Ballroom.

SAD MOVIE
Sad Movie, es definitivamente una de las peliculas mas dramaticas e intencionadamente creadas para bombardear lacrimogicamente los corazones de los espectadores, pero con una tematica y un estilo visual impresionante y una linea argumental magnifica, que la hace a pesar de ser un producto comercial, una obra de arte en todo sus extremos y por que no, una de las mejores peliculas del 2005 que se fue.
En el mejor estilo coral con una diversidad de personajes, se nos cuentan diversas historias entrelazadas magnificamente entre si, un bombero enamorado de la hermana de una chica que rescato que emocionalmente es un poco retardado para expresar lo que siente, la hermana de su novia que tiene quemaduras en su rostro trabaja de blancanieves en un parque de diversiones y se enamora de un chico que es pintor, un niño que siente la ausencia de su madre y que a raiz de una enfermedad se une mas ella y un joven que es rechazado y aprovecha de este rompimiento para crear un negocio en el cual se dedica a mandar mensajes de rompimientos amorosos a diversos tipos de personas, historias que en un principio tienen esa magia tan caracteristicas de esta cinematografia, poseen alma, gracia y un toque de candidez y comedia que roza la belleza además de una banda sonora magnifica.
Pero como el titulo de la cinta "Sad Movie", juega con el espectador durante una primera hora en las que nos hace enamorarnos de los sinsabores y alegrias de estos personajes, nos hace sentirnos reflejados de alguna manera en cada una de las personalidades que nos presentan, hasta que de golpe y en un día lluvioso, la tristeza, principal personaje de la pelicula, hace su aparición de una forma tan desgarradora como la vida misma.
Debo confesar con orgullo que he llorado como un niño, como un adulto y como un romantico, tres tipos de lagrimas que han hecho que esta pelicula cale hondo en el corazón, del que la ve, la siente y la hace suya.
La escena del paraguas cuando la vean es memorable y se van a acordar de mi, lastima que habran personas que nunca podran ver esta cinta por desconocimiento asi que corran la voz despues de verla.
Actuaciones soberbias, una historia inicialmente muy hermosa que como el clima que nos relata una de sus protagonistas, cambia de improviso para entristecer cada una de nuestras perfectas historias, lo que nos devuelve a una realidad que golpea y nos devuelve los pies a la tierra. Imprescindible.
Jong-kwan Kwon, director joven, nos regala una pieza magica y a la vez tragica, pero con una fuerza y personalidad tan preciosa como pesimista, en un mensaje claro y contundente: nada es perfecto.
Si Kim Ki Duk tuvo la capacidad de crear en el silencio una forma narrativa, aqui la tristeza es un elemento vital para entender esta pelicula, tan simple en su empaque comercial pero tan sublime para el que tenga los cinco sentidos en capacidad de sensibilizarse con esta dualidad de la vida: felicidad y tristeza.
Aqui el trailer:

Y aqui el video oficial de la peli:

ESKALOFRIO
Santi (Junio Valverde), un joven solitario a causa de su alergia a la luz solar, se traslada con su madre a un oscuro pueblo escondido entre montañas. Una serie de extrañas muertes, de las que el es principal sospechoso, conmocionan el lugar. La única forma de demostrar su inocencia será desvelar el terrible secreto que el bosque oculta.

Pelicula española de buena manufactura y aplaudida en el festival Sietges de Berlin, que agradara a quien la vea, siempre y cuando guste del genero de horror ya que en un principio esta algo floja la trama pero conforme va progresando la peli logra atraparte, buena fotografia, y las actuaciones aunque en algunos momentos un poco sobreactuadas son buenas y llega a recordarte pasajes de la bruja de Blair.

En sintesis buena para disfrutar un sabado por la noche al igual que hizo un servidor, logra su cometido de entretener, por lo cual es recomendable y te dejo el trailer para formes tu opinion, por cierto esta pelicula se acaba de estrenar en el mes de julio pasado en España y poximamente estara en las carteleras nacionales (Mexico) y es tema controversial en España de si es buena o no.

Una probadita...

Anneliese Michel

La chica que ven en esta foto es Anneliese Michel (21 de Septiembre de 1952 – 1 de Julio de 1976), y en ella está inspirada la película El Exorcismo de Emily Rose.
Nunca he sido de los que juzgan una película en función de la historia que adapta (ya sea una novela, un cómic, una noticia real…) y su veracidad y fidelidad hacia la misma, ya que considero que el hecho cinematográfico es lo que se debe juzgar en sí mismo, independientemente de los elementos en que se base. Aún así, en el caso de El Exorcismo de Emily Rose, me parecía interesante que conocieran las circunstancias reales en las que se inspiraron los guionistas. Para empezar, cambiaron el nombre de la protagonista y su entorno geográfico. La historia verídica es la que sigue:
Anneliese Michel nació en una pequeña ciudad alemana, Leibfling, en el seno de una familia católica de clase media.
En 1968, cuando tenía 16 años, la joven comenzó a sufrir ataques en los que era incapaz de controlar su cuerpo. En ese momento, se le diagnosticó la “epilepsia del Grand Mal”.
A medida que pasaba el tiempo los ataques se fueron haciendo cada vez más fuertes y, quizá debido a la fuerte religiosidad de su familia, Anneliese empezó a creer que estaba poseída por el demonio. Sus padres, Josef y Anna, al observar que la medicación que estaba tomando no le servía de mucho, decidieron llevarla a varios sacerdotes para solicitar un exorcismo. Sin embargo, estos sacerdotes no determinaron que aquello se tratara de una auténtica posesión, ya que no se daban ninguno de los factores necesarios para considerar como cierta tal situación, que son, según la Academia Pontificia Regina Apostolorum: "hablar en idiomas desconocidos, exhibir una fuerza física desproporcionada, manifestar repulsión por objetos sagrados y conocer hechos muy distantes en tiempo y espacio". Además, le recomendaron que siguiera con su tratamiento médico.
Atendiendo a las peticiones de la familia, el pastor Ernst Alt pidió un permiso oficial de la iglesia para realizar el exorcismo. Pero sólo obtuvo como respuesta la recomendación de que Anneliese siguiera una vida aún más religiosa para encontrar la paz espiritual. Curiosamente, poco después, Anneliese sufrió un empeoramiento en los ataques supuestamente epilépticos, y comenzó a comportarse de manera violenta: insultaba y golpeaba a sus familiares, destruía compulsivamente cualquier objeto religioso que se encontrara, comía insectos y carbón… Esto provocó que Josef Stangl, Obispo de Wurzburgo, ordenara finalmente un exorcismo en 1975 realizado por el propio pastor Alt y por el padre Arnold Renz, en sesiones que se prolongaron semanalmente hasta julio de 1976, que fue cuando la joven murió. Durante estas sesiones de exorcismo, Anneliese parecía estar poseída por varias almas: Caín, Judas Iscariote, Lucifer, Nerón o Adolf Hitler fueron algunos de los nombres con los que se identificaba la muchacha. Sus convulsiones eran tan fuertes durante el exorcismo que tenían que atarla a la cama y ser sujeta por tres personas. Decía que los demonios que llevaba dentro no le permitían comer, por lo cual el motivo final de su muerte fue el agotamiento, sumado a la neumonía que también padecía. Incluso llegó a romperse las rodillas debido a las 600 genuflexiones que realizaba durante las sesiones de exorcismo (esto se observa brevemente en El Exorcismo de Emily Rose). Antes de morir por inanición (según parece, la joven no hubiese muerto de haberse alimentado en las últimas semanas), se dice que la joven se giró hacia su madre y le dijo “Tengo miedo”, cayendo posteriormente inconsciente.
Tras la muerte de la joven, el 1 de Julio de 1976, sus padres y los dos exorcistas que llevaron a cabo las ceremonias, fueron acusados de homicidio negligente. A pesar de que la Iglesia negó después que Anneliese Michel estuviera realmente poseída, la leyenda en torno a la muchacha se hizo tan fuerte que llegaron a exhumar su cadáver en 1988 para ver si había seguido el proceso natural de descomposición (¡!).
Como pueden ver, lo que nos cuentan en El Exorcismo de Emily Rose tiene bastante en común con lo que sucedió en verdad. Aunque, en este caso (y como sucede en no pocas ocasiones), la realidad supera a la ficción.

Seria interesante que pudieras ver la cinta para que al final de cuentas seas tu quien saque conclusiones, aqui el trailer

THE BEST OF JAMES
Esta banda no tiene que ver con el movimiento obscuro, pero es una peticion que me hicieron personalmente y pues nos dimos a la tarea de conseguir el material y ponerlo a disposicion no solamente de Benjamin Audelo sino tambien de todo aquel que quiera conocer un poco de esta excelente banda inglesa y por ello una breve reseña:
James es un famoso grupo de rock alternativo de Manchester, Inglaterra, formado en 1981.Tras una creciente lucha durante los años 80, llegaron a convertirse en una de las actuaciones más fuertemente exitosas de los años 90, marcando una serie de singles de éxito durante la década, incluyendo "Sit Down" y "Laid". Después de la marcha de su cantante Tim Booth en 2001, el grupo se volvió inactivo, aunque no se confirmó la separación oficialmente. En enero de 2007, el grupo anunció que volvía para tocar en algunos conciertos y que habían estado escribiendo nuevo material. Una nueva web se lanzó, confirmando 5 fechas iniciales en Reino Unido en abril. La propia web de Tim Booth también confirmó la vuelta. El 16 de marzo, James tocó en un concierto secreto de vuelta en Hoxton Square Bar & Kitchen, ante un público de solo 250 personas.
James se formó en 1981 en Whalley Range, Manchester, cuando el entusiasta de la música Paul Gilberston, inspirado por los grupos post-punk de la época, conveció a su mejor amigo Jim Glennie para que se comprase un bajo e hiciese un grupo con el. Ensayando regularmente en la habitación de Glennie con los otros músicos que estuviesen disponibles, su composición se hizo sólida con la adquisición de Gavan Whelan en la batería, cuyo sonido en el tambor, frenético, variable y casi tribal dio a su música un perfil diferencial de los estilos de guitarra y bajo ásperos de Gilberston y Glennie. Dieron una serie de conciertos bajo los nombres de Venereal y The Disasters y, más tarde, Volume Distorsion (firmando con las iniciales), antes de llamarse Model Team International, entonces acortado a Model Team.
Ellos tocaron casi espontánea, puramente improvisaron el material que salió de las jam sessions, teloneando a The Fall en uno de sus primeros conciertos. Vocalistas y otros músicos pasaron rápidamente por su formación, hasta que el grupo encontró a Tim Booth, un estudiante en la discoteca en la que se habían colado. Fascinado por el salvaje estilo de baile mevleví de Booth, Gilberston le invitó a la cabaña de scout del grupo en Withington para unirse a este como bailarín.Tras aceptar la invitación, Booth fue rápidamente propuesto tanto para cantante como para compositor.
Este es el album "The best of james" listo para descarga, espero sea de su agrado. Va Benja Cumpli!!! http://www.mediafire.com/?iftmud1zxmw

My Sassy Girl
En el año 2001, Jae-young Kwak, Director Coreano basandose en una historia prestada de una pagina de Internet, se robo el corazón de todos los coreanos y se lleno los bolsillos de dinero, con esta pelicula, estelarizada por la hermosisima Ji-hyun Jun en el papel de una rebelde chica que es "salvada de morir"en el metro por un joven despreocupado interpretado por el gracioso,Tae-hyun Cha, desde esta situación, la pareja iniciara una amistad que pasara luego a un romance, con diversos quiebres argumentales, liricos y comicos que hacen de esta pelicula, sin pecar en decirlo, "la mejor comedia romantica de la decada".
La base del exito de esta pelicula, se encuentra en los dos protagonistas (por ello insisto que el Remake que se prepara en USA de esta cinta no va a funcionar (incluso dicen que sera interpretada por Britney Spears o Jessica Alba)) , la quimica que derrochan en cada una de sus escenas es espectacular, ellos te hacen reir, llorar, emocionar y conmover con una facilidad, simpleza y eficiencia que no es acorde con las cortas edades que en esas epocas, tenian los protagonistas.
En realidad, esta pelicula ya es un clasico, de culto para los amantes del cine coreano, es una cinta que uno desea querer compartir con todo el mundo, porque posee magia, en toda sus escenas unido al eficiente trabajo técnico, pero que esta construida sobre la base de los personajes que de no haber sido bien escogidos, hubiesen llevado a esta historia a ser una más del monton de comedias romanticas que pululan en Asia y no haberse convertido en un referente mundial de como hacer reir y emocionar a la vez.
My Sassy Girl es frescura y humor unido a uno de los romances mas hermosos que el cine ha podido dar, es una odisea de la chica mala abusando del chico bueno pero tonto, hasta que el añor y el destino decide juntarlos, es una fabula de amor de los tiempos modernos que ha creado un estilo que hoy, corea intenta superar con su larga lista de comedias romanticas que intentan tener el nivel de publico y artistico de esta la reina de todas ellas.
De hecho, recomendada con especial atención al público femenino, esta es una pelicula que es un referente para cualquiera que quiera conocer el cine coreano y más a los que quieran una comedia romantica de nivel mas que superlativo por no decir que raya la perfección.
Razon por lo cual tendrá escasos 10 minutos que acabo de terminar de verla y surge la imperiosa necesidad de darselas a conocer ya que es imprescindible verla y que mejor que poseerla para disfrutar una y otra vez de esta estupenda cinta.

Por nada del mundo te la pierdas!!!

GOYO CARDENAS
"A mi me examinaron como 48 o 50 médicos... unos señalaron esquizofrenia, otros una psicopatía, otros diferentes tipos de epilepsias, otros debilidad mental a nivel profundo. Otros paranoia. Sí como no". Gregorio "Goyo" Cardenas
Pues es asi como comenzamos con las investigaciones y en primer lugar con un asesino serial mexicano. Aqui la historia:
En 1942, la sociedad mexicana se vio conmocionada por una serie de crímenes cometidos por un físico de 26 años, estudiante de un posgrado en ciencias químicas, y trajo a colación el tema de la pena de muerte. Gregorio (“Goyo”) Cárdenas Hernández, bautizado de inmediato por los medios de comunicación como “El Estrangulador de Tacuba”, asesinó a cuatro jóvenes, entre ellas su novia, de 17 años de edad, profanó los cadáveres y luego los enterró en el jardín de su casa, que aún existe, abandonada y en ruinas, en la calle de Mar del Norte, en el Distrito Federal.

En el cuadro clínico de Cardenas, “se advierten en los antecedentes hereditarios –dijo el doctor Lafora– ...evidentes signos patógenos. Tanto en la línea materna como en la paterna existen detalles susceptibles de acusar una herencia enfermiza. El padre de Gregorio sufrió de jaquecas hasta los treinta y un años, hecho que debe ser tomado en consideración por la circunstancia de haber persistido hasta tal edad”. En la línea materna, el doctor Lafora logró obtener datos que fijan como explosivo el tipo temperamental de la abuela del sujeto. Debe agregarse a esto la circunstancia de padecimientos epilépticos en dos de las hermanas de Gregorio, así como el detalle de la enuresis (orinarse en la cama) del propio criminal, que sufrió dicho fenómeno hasta los dieciocho años de edad, unido a los clásicos pavores nocturnos. Cárdenas Hernández padeció siempre de pesadillas angustiosas, cefaleas y vértigos, y durante su vida consultó con frecuencia a numerosos médicos. En los últimos meses sufría reacciones depresivas, mientras por otra parte llevaba una vida de trabajo activo y aparentemente normal.

Según narra un condiscípulo de Gregorio Cárdenas, en cierta ocasión hubo de parte de los demás compañeros del criminal una especie de protesta en su contra, protesta hiriente y con vías de hecho, a causa de determinados apuntes de clase. La reacción de Gregorio Cárdenas fue de timidez y apocamiento, lo cual hizo a sus compañeros juzgarlo más bien como un cobarde. Otra característica de Gregorio, que según el doctor Lafora puede clasificarlo entre los tipos llamados económicos, era su poco desprendimiento con respecto al dinero. Hacia las mujeres públicas con quienes tenía relaciones, adoptaba un trato que distaba mucho de la generosidad, y el automóvil que tenía lo usaba en ocasiones como vehículo de ruleteo, para allegarse algunos fondos.

La vida sexual de Gregorio Cárdenas se inicia a los once años, con las manifestaciones narcisistas habituales, sin ninguna tendencia hacia la pederastia o el incesto. A la edad de dieciocho años comienza a frecuentar prostitutas, llegando a padecer algunas enfermedades venéreas, en una de las cuales se descubre la existencia del treponema pálido, sin que el tratamiento de la enfermedad se condujera en forma enérgica. En 1940 entra en relaciones con Virginia Leal, a quien conoce en un baile y después hace su amante. Virginia, después de un corto espacio de tiempo, lo abandona, hecho que Gregorio consigna en su diario. Parece ser que esta decepción amorosa le crea ciertas inclinaciones hacia el resentimiento y el rencor, en contra de las mujeres. Más tarde conoce a Gabina González, a quien posee sin haberse casado, por lo cual la familia de ella recurre a los tribunales para obligarlo a contraer matrimonio. Después de una corta temporada matrimonial, Gregorio se divorcia, acusando de infidelidad a su esposa. En el intervalo que sigue y hasta sus relaciones con Graciela, frecuenta a meseras de restaurantes y cabarets. Los amores de Gregorio Cárdenas con Graciela Arias arrojan datos de sumo interés, para la fijación de la personalidad del criminal. Graciela, en efecto, representa un hecho nuevo en la vida de Gregorio.
Continuamente se siente acosado por los celos en relación con Graciela; el temperamento de ella lo desquicia, ya que con frecuencia tienen choques. En cierta ocasión en que Graciela habla por teléfono, Gregorio la increpa acerca de con quién se encuentra hablando, a lo cual Graciela replica vivamente que, si le interesa saberlo, investigue, respuesta que produce extraordinaria desazón en Cárdenas Hernández. Justamente antes de estrangular a Graciela, el homicida tiene una escena de celos con ella, después de la cual sufre el acceso de epilepsia durante el cual mata a la muchacha.

La actitud de Gregorio con respecto a los animales es particularmente sintomática. Por ellos siente una especial ternura y delicadeza. Durante algún tiempo mantiene relaciones con una muchacha, de apellido Romero, quien, según Gregorio, le profesaba extraordinario cariño. La joven lo visitaba en la casa de Mar del Norte, donde Gregorio tenía un conejillo que usaba como animal de experimentación. Muerto accidentalmente el conejillo, entre la muchacha y Gregorio le dan sepultura, encontrándose ya tres de las víctimas enterradas en el jardín, buscando precisamente el lugar más opuesto a donde yacían las mujeres estranguladas por el criminal. “Por un momento –confiesa Gregorio Cárdenas Hernández al doctor Lafora– tuve el deseo de poseer por la fuerza a la muchacha, para estrangularla después”. No obstante, por quién sabe qué razones, el criminal se domina y no hace nada en contra de la joven. “El impulso homicida de Gregorio Cárdenas –afirma el doctor Lafora– no surge en todo momento. Su vida amorosa obedece siempre a impulsos sentimentales.
Cárdenas decía que había enloquecido por el exceso de trabajo y estudio, pero que en un par de años había vuelto a la normalidad. Pidió su traslado al área penal, que se le negó durante 14 años. Un día escapó del pabellón psiquiátrico y se entregó con la condición de que se le pusiera con los demás presos; lo logró, con la ayuda del mítico criminólogo Alfonso Quiroz Cuarón, que lo había detenido.

Quiroz Cuarón lo ayudó a que estudiara derecho, y el joven científico se tituló con honores en prisión con un objetivo claro: lograr una reducción significativa de su condena. Fue en vano: debió cumplir 35 años de prisión. Sin embargo, utilizó sus conocimientos para, durante ese tiempo, sacar de la cárcel a inocentes, lograr la revisión de casos, libertades condicionales y todo lo que los abogados de oficio no podían o no deseaban resolver; sus clientes eran gente muy pobre.

En 1977, cuando salió de prisión, Cárdenas instaló un despacho legal cerca de Lecumberri, en la calle del mismo nombre, y siguió allí incluso después de que la cárcel desapareciera y se convirtiera en el Archivo General de la Nación. Trabajaba por lo que pudieran pagarle sus clientes, y casi hasta su muerte, ocurrida en 1999, a los 82 años de edad, siguió llevando casos, hasta el grado de convertirse en una leyenda y casi en un héroe popular.

A principios de los ochenta, Goyo Cárdenas fue convocado a una reunión plenaria del Congreso de la Unión y homenajeado y ovacionado de pie por los diputados y senadores. Aun ahora se acusa a los congresistas de haber cometido un acto infame: ¿cómo olvidar que reconocían a un asesino serial? Pero algo parece cierto: si el ideal de un sistema judicial es la rehabilitación de los reos, Cárdenas es un ejemplo claro de que es posible.

WINDSTRUCK

Tras confundir al profesor Myungwoo con un criminal, la oficial de policia Kyungjin entabla una relación de amistad con Myungwoo. Ambos se enamoran y siempre que se citaban, Kyungjin estaba persiguiendo a un matón por lo que siempre Myungwoo iba a su encuentro para ayudarle. Hasta que un dia, tras la misma rutina, la vida cambiará para ambos tras un fatídico accidente...
Para mi muy particular punto de vista queda en una buena pelicula, pero podia dar mas y eso que la gente con la que he platicado y que ya han visto la peli ni una sola ha dejado de decirme que es excelente, quizas por los distintos manejos de historia de las diversas cintas de este estilo que un servidor ha tenido la oportunidad de ver.
Algo que no puedo negar es que es muy recomendable, por las actuaciones y el soundtrack, ah! y por la belleza de Jeon Ji-hyun de Cueto.
Pelicula para disfrutarse en pareja.
Va el trailer!!!

Daisy

Andrew Lau es quizas hoy, el director mas taquillero e interesante del cine de Hong Kong, sus cintas como la trilogia Infernal Affairs y su adaptación del anime Initial D, exitos rotundos en Asia, lo han llevado incluso a filmar una pelicula en Hollywood.
Daisy, es su apuesta que integra a su equipo Hongkones con el cine coreano, a través del escritor Kwak Jae-young , el mismo de exitos como My Sassy Girl, Windstruck, entre otros, y además contando con un trio de estrellas, como lo son Jung Woo-sung (A moment to remember, Sad Movie), Lee Sung-jae (Holiday) y por supuesto con la diosa de este servidor, Jeon Ji-hyun (My Sassy Girl, Windstruck, Il Mare).
Pero hablemos de la pelicula, argumentalmente Daisy, es la historia de una hermosa pintora que vive en Amsterdam, ella es coreana y se dedica a pintar rostros en una plaza de la ciudad, a raiz de un hecho que no debe develarse, un asesino a sueldo se enamora de ella y le empieza a enviar diariamente margaritas a la puerta de la tienda de antiguedades de su abuelo. Este asesino, ahora enamorado, la observa en silencio y ella espera que algún día haga aparición su amado anonimo.
Sin embargo un día, un policia infiltrado para capturar una red de narcotraficantes internacional, la utiliza para mantenerse encubierto adoptando sin querer la personalidad del enamorado oculto, por lo que ella se llega a enamorar de este policia de Interpol. Desde esta premisa, se inicia una historia de amor triangular, con hechos dramaticos, escenas de acción y suspenso que se disfrutan de principio a fin.
Daisy, tiene un romance bien elaborado y lirico, tiene a dos hombres detras de una hermosa mujer, ambos desde suspersonalidades se encuentran imposibilitados de amarla, uno por ser un asesino y el otro por sentirse culpable por una fatalidad que ocurre en la cinta, ambos la aman a su manera, pero ella espera solo al hombre capaz de regalarle flores todos los días o al hombre que fue capaz de construirle un puente, sin importar si es un criminal o un policia, puro lirismo del cine romantico coreano.
También tiene unos excelentes momentos de suspenso y acción, en especial una acertada venganza final que trae a colación a ese cine, de asesinos enamorados que tanto deambulo en el panorama del cine de Hong Kong de los 80 y 90.
Daisy, en sintesis, es la unión sutil y bien elaborada de las historias de amor y drama del cine coreano y una dosis pequeña de acción y vertigo del mejor cine de Hong Kong, en un empaque técnico espectacular, unas actuaciones eficientes y una fotografia envidiable.

Es verdaderamente magnifica esta pelicula no debes perdertela!!!

CORRE LOLA CORRE
Lola (Franka Potente) es una chica con el pelo muy rojo que un día recibe una llamada de su novio Manni (Moritz Bleibtreu), el cual telefonea desde una cabina.
El dinero que éste debe de entregar urgentemente, ha sido perdido en el metro cuando se le olvidó la bolsa que contenía los billetes.
Ahora sólo le quedan 20 minutos para conseguir 100.000 marcos y entregarlos o si no el precio por haber perdido el dinero será una dolorosa muerte tras una paliza.
Lola debe de correr por toda la ciudad en busca del dinero y entregárselo a su novio antes de 20 minutos.
¿Es tan importante una sola decisión? La respuesta es sí. Lo que la mayoría de la gente no sabe es que un mínimo fallo o un solo segundo de tiempo perdido (o ganado) puede cambiar todo nuestro destino, y el de los demás.
"Corre, Lola, corre" es una película alemana que nos enseña la importancia que tiene cualquier momento, cualquier segundo de nuestra vida.
Rodada con un moderno estilo "video-clip", cuenta con tres finales. La carrera que Lola realiza compitiendo contra el tiempo por toda la ciudad, es multiplicada por tres, modificando en cada una de las partes un solo segundo en su vida: en la primera vez, cuando baja las escaleras al salir de su casa al empezar su carrera, Lola esquiva al chico con el perro en un escalón (escena en dibujos animados, como las imágenes de los créditos iniciales); en la segunda, el chico pone la zancadilla a Lola y ésta tropieza y en la tercera, salta sobre ellos.
Luego, con mínimos momentos de retraso o adelanto, Lola choca con algunas personas, las cuales, debido a esos mínimos segundos (si llegan a ser segundos) de diferencia entre una historia a otra, sus destinos cambian totalmente, y lo vemos cuando Lola se cruza con alguien, ya que durante unos segundos aparecen distintas fotografías seguidas que muestran lo que le va a pasar a esa persona en X tiempo, y en cada una de las tres partes, las fotografías de una misma persona son diferentes.

Éste film cuenta con unos diálogos buenos y unas interpretaciones con el mismo adjetivo.
Muestra de forma clara y muy correcta el hecho de que un solo momento lo puede cambiar todo. Y aunque se hace un poco larga para su duración (sólo unos 80 minutos), curiosamente no aburre (al menos a mí no).
Resulta agradable ver a Lola correr, además de que la chica no es fea, aunque parece ser que el estrés la empeora.
Mucha gente que ya ha visto esta película, piensa que no tiene sentido ante ésta pregunta: "¿Por qué no coge un taxi?".
Déjenme explicarles: si los que la han visto se acuerdan de la conversación telefónica entre Lola y Manni, ella explica cómo la robaron la moto, y que para llagar a tiempo a donde Manni la esperaba antes de todo, cogió un taxi, y el viaje en el vehículo resulta ser un desastre porque el taxista se equivoca de dirección y entre otras cosas, llega muy tarde al punto acordado.
Lógicamente no quiere volver a tener la misma suerte y mucho menos ahora que la vida de su novio corre peligro, se fia más de ella misma y de sus piernas. Por favor, hay que fijarse más en los detalles.
La rapidez de Lola, la ojeada del destino de los que se cruzan a su lado, el error de elegir a su padre como persona para pedir el dinero, el paso del tiempo, el "¿qué hacer ahora?, ¿qué?" continuo... todo se mezcla y forma "Corre Lola, Corre", una película imprescindible, que en cualquier momento de su vida, todo el mundo debería ver.
Por no hablar de su correcto guión, sus correctas interpretaciones, su modernidad y de muchas más cosas.

Por Vampiro

Pues ahora comenzaremos con el apartado literario por parte de Horace Walpole y su novela “El castillo de Otranto” que inauguró con su publicación, allá por el año 1764, el género conocido como «novela gótica»; gracias a ella y a otras obras similares, el imaginario tenebrista, repleto de castillos en ruinas, abadías tétricas, caballeros misteriosos y apariciones fantasmales, cuajó como movimiento literario y encandiló a los primeros románticos.
Hoy, siglos después, los elementos que contribuyeron a que novelas como ésta triunfaran y sentaran precedentes no causan el mismo efecto sobre el lector. De hecho, los recursos góticos han sido tan sobreexplotados por la literatura —y, ya en el siglo xx, por el cine— que sus entresijos y resultados han devenido demasiado cotidianos. Las intrigas misteriosas y sobrecogedoras de Walpole, o de Matthew Lewis, han perdido su frescura, debido sobre todo al auge que tuvieron en su momento (y en periodos sucesivos) y a ese posterior (re)utilización.
Leyendo ahora “El castillo de Otranto”, uno no puede menos que admirar la inocencia de los lectores de antaño, que se identificaban emocionalmente con la historia sin exigir de ella más que unos cuantos momentos de tensión y romanticismo. Las heroínas abnegadas, como la protagonista, Matilda, resultan de una candidez apabullante; los héroes, como Theodore, hacen gala de una nobleza de carácter inhumana. Todos los personajes se encuadran en unos patrones rígidos y arquetípicos, tan obvios que casi es posible intuir el desarrollo del libro con muchas páginas de antelación. Como es lógico, no se puede echar en cara al autor este abuso de los estereotipos, puesto que el estilo literario de la época (incluso los recursos a su alcance) marcaba la senda a seguir y era difícil apartarse de ella.
Sí se le puede achacar, no obstante, el utilizar a los fantasmas y a los aparecidos para llevar la historia hasta su desenlace, sin reparar en las incongruencias en las que incurre. La trama de profecías y herederos desconocidos no es complicada, pero el recurso del deux ex machina empaña la buena labor de Walpole a la hora de plantear los prolegómenos de la historia. El autor domina a la perfección el arte de situar la trama en el espacio y en el tiempo, recreando una atmósfera muy vívida (o varias, como ocurría en “Cuentos jeroglíficos“) que sumerge al lector con rapidez y efectividad en los acontecimientos. Ese detalle, que en una obra de las características de “El castillo de Otranto” es muy importante, se ve socavado por la inocente y vana utilización de apariciones misteriosas para encauzar los hechos o las acciones de los protagonistas. Sin apenas explicación, Walpole se vale de enormes piezas de armadura o de figuras que surgen de los lienzos para introducir algunos giros en la trama que, de otra manera, serían inconcebibles. Lo malo, claro está, no es el empleo de este recurso en sí, sino la evidente espontaneidad que sugiere, la falta de trabazón entre los elementos de la historia. Parece claro, después de terminar la lectura, que el autor no había tenido en cuenta muchos detalles mientras redactaba la obra, y que la única forma de unir cabos sueltos era echar mano de la fantasía como herramienta narrativa.
Para bien o para mal, este tropiezo (para otros podrá ser considerado un acierto) definió unas directrices que muchas novelas siguieron después, con mejor o peor fortuna. “El castillo de Otranto” no pasa, hoy por hoy, de ser un entretenimiento cándido y ligero, una obrita para pasar un buen rato sin mayores pretensiones; posiblemente eso es lo que era también en su momento, en realidad. No creo que el libro tenga muchas más virtudes, amén de su novedad relativa y la buena mano de Walpole para las narraciones de época, aunque tampoco creo que haga falta empeñarse en buscarlas.
Descargalo!!! http://www.mediafire.com/?nxjvm2glhtm

LOBO

El Lobo es una película de espionaje española dirigida por Miguel Courtois, estrenada en el año 2004. Entre sus principales actores se encuentran Eduardo Noriega, José Coronado, Silvia Abascal y Jorge Sanz.
Este largometraje está basado en la vida de Mikel Lejarza (Eduardo Noriega), apodado el Lobo. Narra la historia de un agente del servicio secreto español que logró infiltrarse en las filas de ETA entre 1973 y 1975, consiguiendo desestabilizar la organización etarra gracias a su intervención.
En el film se pone de manifiesto el sentimiento arraigado de la población vasca, así como también la visión política que desde el mundo abertzale y desde el gobierno español franquista del momento se tenía del conflicto y como ellos mismos estaban compinchados para no deshacerlo completamente ya que se necesitaban mutuamente
Basada en una historia real de Mikel Lejarza, infiltrado en ETA. En 2006 el mismo director dirige la película GAL. Se da la casualidad de que en esta película el actor José Coronado también da vida a un policía corrupto llamado Ricardo.
La película deja a entender que si la dictadura de Franco lo hubiese querido, ETA hubiera sido desarticulada por completo.
2 premios en la 19ª edición de los premios Goya
Mejor montaje: Guillermo S. Maldonado
Mejores Efectos Especiales: Abades, Pascual y Lorenzo
Excelente pelicula española aunque digan algunas personas que el cine español no sirve, pues aqui una prueba...

Te lo dije, no verla seria terrorismo!!!

BATTLE ROYALE
Monumental pelicula Japonesa que ya es un clasico de visionado obligatorio para alguien que se precie de fanatico del cine asiatico, cuyo exito radica en los diversos generos que explota y en su marcada tendencia a ser una critica acida del sistema educativo japones y al temor que le tienen los japoneses al futuro generacional.
Dirigida por el extinto Kinji Fukasaku, esta pelicula nos transporta al Japón de principios de este milenio, sometida a una generación sin futuro sumida en el caos, la violencia, la delincuencia y sus jovenes cada vez mas causan revueltas sociales convirtiendose en un peligro para su país, por lo que deciden los politicos "visionarios" generar una ley represiva, "Acta BR" que consiste en elegir a una clase de estudiantes al azar cada año y hacerlos combatir unos contra otros hasta que sólo quede uno, como una reprimenda a mejorar el sistema educativo japones.
De la mano del maestro Kitano en un papel que le cae como anillo al dedo, es la mitificación del represor, en una monumental presentación les comunica a los alumnos llevados a una isla custodiados por el ejercito, que deben matarse entre ellos, siendo esta premisa, manejada en forma fabulosa, con espectaculares escenas de acción, gore, personajes disimiles y algunos con bosquejos de anime y manga (si no ver a las colegialas, una de las cuales repite formas en Kill Bill en claro homenaje a esta cinta de la mano de Tarantino) y tortuosas y crueles imagenes que en frio, estan rociadas magistralmente de toques de humor negro y corrosivo.
Es impactante ver que un hombre de casi 80 años (edad promedio en que el director hizo la pelicula) conozca tan bien y se ria de ello, de los problemas de la juventud japonesa, lo que habla de un director que se ha nutrido de sus inquietudes y que magistralmente las ha reflejado en pantalla, "aniquilando" literalmente los miedos que tiene una sociedad conservadora frente al cambio generacional de una juventud menos tradicional y mas pegada a lo que occidente vende.
Aqui los alumnos, se convierten en presas de sus compañeros de aula, se forman grupos de supervivencia, unidos por la fraternidad, el genero e incluso hasta historias de amor, sin embargo, al final deben matarse sin importarles los sentimientos y se convierten en meros instrumentos para la violencia y la acción, siendo aqui donde nuestro director goza extinguiendolos frente a la unica posibilidad de supervivencia.
Esta cinta, es una pieza magistral del cine japones contemporaneo que puede ser vista como un mero entretenimiento y asimismo, puede ser materia de un estudio mas extenso de la visión apocaliptica de la juventud japonesa, vista desde la percepción de un anciano que suponemos era un "otaku" dedicado al anime, al manga y a los videojuegos que incluso, supo plasmar mejor que su hijo, el director de la menos espectacular y casi intrascendente secuela de esta Battle Royale, el espiritu que se busca con esta pelicula.
Para algunos una cinta gore sin sentido, para otros como yo,una genial fabula de supervivencia, la versión gore del esperpento gringo Survivor, que por absurda que parezca por su puesta en escena, devela el como el ser humano actua en situaciones limite, a pesar que estas en la cinta, sean desmedidas e inapropiadas son acordes a una fascinación de una cultura ajena, para muchos, pero cercana para los que como yo, seguimos sus tendencias, por lo que podemos reconocer, modestamente, que es en broma a pesar que nos lo escupan en la misma cara.
Battle Royale, no solo fue una masacre de jovenes nipones en el marco argumental, sino tambien fue el nacimiento de una generación de actores jovenes japoneses que hoy gozan de una popularidad que en gran medida se la deben a sus "muertes" en esta cinta, como es el caso, de Tatsuya Fujiwara (Death Note), Masanobu Ando (Aegis), Chiaki Kuriyama (Kill Bill), entre otros.
En sintesis, un director visionario en su etapa senil, un Takeshi Kitano quien conduce el juego, las piezas puestas en la isla listas para exterminarse y todo para el deleite del que tenga el gran gusto o el disgusto, en caso de no pensar igual que yo, de ver esta pelicula, pero lo que si es totalmente apostable en capacidad de quemarme las manos al fuego que, por lo menos esta cinta no pasara inadvertida en las cabezas de los que la vean y eso es un logro que debe ser reseñado. Como es costumbre, un regalo de los fans, un collage de imagenes de la pelicula al ritmo de My Inmortal de evanescence, un lujo y un spoiler (estan advertidos, si no la has visto y quieres hacerlo solo ve el trailer).

Que comience la batalla...

SHAK (2002 - 2008)

Por Vampiro

Con respecto al suceso acaecido la noche del domigo 9 de noviembre y que culminó el dia martes 12 del año en curso (2008), resulta reprobable la actitud de las autoridades correspondientes del Bioparque Estrella al asesinar (porque no encuentro otro calificativo para describir tan cobarde y estupida accion) al tigre de bengala que en los dias referidos (por negligencia) hirio a su cuidador y como consecuencia de las mismas heridas fallecio.
Según las autoridades no se llevaron a cabo las medidas de seguridad correspondientes por lo cual el felino escapo de su jaula y tras 31 hrs de busqueda dieron con su paradero y sin mas ni mas lo EJECUTARON.
Es para causar asco hacia los autores de este CRIMEN.
Lo cual me pone a pensar con respecto a la seguridad de los visitantes de este tipo de lugares, ya que si por descuido se vuelve a suscitar otro evento como el de este fin de semana pasado, pero en horario de visita ¿Qué van hacer?
¿Porque matar al animal? ¿Acaso tuvo culpa alguna por el descuido del encargado?
Acaso sacrificando al animal ¿volvio a la vida el joven atacado?, un suceso sin lugar a dudas lamentable y hechizo de luna y Vampiro nos unimos a la pena que embarga a la familia del joven de 26 años que desgraciadamente perdio la vida.
Pero desde mi muy particular punto de vista no era necesario ensañarse con un indefenso animal y digo indefenso porque ante el ataque del animal mas feroz y peligroso que existe sobre la faz de la tierra, que es el ser humano, pues simplemente no hay escapatoria.
Y me enferma el comentario tan estupido, que digo estupido, comentario pendejo por parte de Alejandro Alvarez Dairos cuando dice “que decidieron sacrificarlo (como si la vida de un ser vivo pudiera “decidirse”) ya que un sedante solo habria hecho efecto en el animal no mas de 10 mins. Y tomando en cuenta las condiciones del terreno no podian arriesgarse a provocar otro incidente”. Una muestra de la ineptitud por parte del director del Bioparque Estrella para de alguna manera cubrir su ineficiencia al tratar una contingencia de este tipo.
No hace mucho tiempo fueron confiscados algunos animales exoticos de propiedades que fueron del narco y donde se encontraba un especimen similar al de este hecho y todos fueron sedados y colocados en jaulas para ser confinados a un lugar seguro.
¿El sentido común no le ilumino el cerebro a Alvarez Dairos para realizar la misma estrategia?
Se me ocurre pensar que quienes salieron a buscar al tigre de bengala de nombre SHAK, de 6 años aprox. Y 250 kgs. de peso no tenian la capacitacion necesaria y mucho menos la experiencia para enfrentar la situacion y solamente dejaron de manifiesto ser una bola de improvisados de tres varos.
Esto deja bien claro la clase de gente que esta a cargo de estos animales y del maltrato al que estan sujetos.
Nuevamente Reflexiona y Difunde
NO AL MALTRATO ANIMAL
Yo Vampiro, rechazo y repudio este acto criminal ademas de la exhibicion de animales en circos y zoologicos.

La nave de los dioses

Documental basado en el libro homónimo del investigador Erich Von Däniken para hacerse una de las preguntas más fascinantes de la historia: ¿Fuimos visitados por extraterrestres en nuestro lejano pasado? ¿Será posible que ellos hayan sido los Dioses que abundan en las mitologías de todo el mundo?. Aún cuando el estilo del documental suene hoy algo anticuado (tiene más de treinta años) su tema sigue siendo provocador..
De lo cual me surge una pregunta interesante ¿Cuando dejaremos de ser tan soberbios y admitiremos que no estamos solos en el universo? Aqui las pruebas!

NEKROMANTIK
Robert Schmadtke trabaja en la Agencia Joe Limpia Calles, la cual se encarga de recoger cadáveres de accidentes de tráfico, etc. Pero no todo es trabajo en su vida; junto con su novia Betty comparten el hobby de coleccionar diferentes partes de cuerpos. Un día Rob se trae “trabajo a casa”: logra hacerse de un cadáver putrefacto con el cual, él y su novia, harán un “menagois a trois” necrofílico. Todo es color de rosa (ejem!) hasta que a este nabo lo echan del laburo y ya nada volverá a ser como antes. En los tiempos del SIDA hay que prevenirse y como Betty es muy cuidadosa usa un preservativo en el “nuevo miembro” de madera del "MUERTO".
Primer y el más odiado trabajo de su director, toca un tema que es tabú en el cine: la necrofilia. Así es, tener sexo con muertos, pero desde una perspectiva salvajemente realista: con carne podrida en primerísimo plano que llega a incomodar. Ante todo y como su director aclama, Nekromantik es una historia de amor pero con gore y fiambres. Vomitiva y grotesca fue prohibida en varios países (Inglaterra, Noruega, Finlandia, etc.) e incluso se la retiró de la muestra de cine de Valencia en 1992 por considerarla demasiada repulsiva. Filmado con poco presupuesto, con un estilo casi documental, sin actores profesionales y con el mismo Buttgereit colaborando en los FX, Nekromantik no es para estómagos sensibles. Seguida por una secuela igual de desagradable (en el buen sentido).
Y para todos aquellos que gustan de las emociones fuertes aqui les dejo una probadita con sabor a...

El final de la pelicula es GENIAL!!!!

CJ7
Por Alejandro Guerrero

Acabo de verla y no debo hacer nada mas que rendirme ante ella. Se que quizas debo estar exagerando y se puede pensar que es solo puro fanatismo, pero cuando un director como Stephen Chow puede hacer llorar de pena y de emoción a padres e hijos, esta de mas decir que es un verdadero fenomeno del cine mundial.Chow, no ha descubierto la polvora con CJ7, es mas utiliza una historia tan trillada del extraterrestre venido a la tierra a hacer amistad con un niño al mejor estilo de ET de Spielberg, pero unido a ello, le agrega ese ingrediente Chow, su humor burlandose de situaciones como la pobreza (una repetetitiva costumbre), la segregación, la relación paterno filial y inclusive la muerte.Con una sensibilidad maravillosa Chow nos cuenta la historia de un padre y su hijo, extremadamente pobres pero dignos, el personaje que interpreta Chow, es un obrero que trabaja 24 horas al dia para darle una educación digna a su hijo en un colegio de mucho prestigio y que sacrifica, muchas cosas para conceder a su menor el privilegio de estar en un colegio de ricos.

El niño es segregado en su escuela por su falta de higiene, pobreza y hasta por su nivel social, inclusive sus compañeros de clase lo molestan pero las vida les cambiara con la llegada de un hermoso, tierno y carismatico extraterrestre que se convertira en la alegria de sus vidas.

Lloré con mi hijo abrazados cuando un par de escenas nos hicieron crujir el corazón y me emocione como un niño en otras, lo que demuestra la intención de Chow de hacer una pelicula familiar que genere emociones y risas, en especial para los niños, pero hay que decirlo tambien, sus peliculas entre entretenidas y divertidas muestran un especial interes, en dignificar a la gente humilde, pobre y desvalida, lo que tambien se nota en esta cinta, que resulta una excelente comedia y un espectaculo maravilloso que he tenido la suerte de compartirla con mi hijo.No esta al nivel de las anteriores comedias de Chow, como Kung Fu Hustle o Shaolin Soccer pero igual da la talla, con esta familiar cinta y asimismo, se cuenta con un personaje creado por Efectos digitales que enternecera a grandes y chicos.En resumen, una excelente comedia familiar llena de emoción y risas, para verla en familia.
Hechizo de luna y Vampiro recomiendan ampliamente esta pelicula y rinden un homenaje a la grandielocuencia y majestuosidad de la direccion del maestrisimo Stephen Chow ya que es uno de los genios que rondan en este mal llamado planeta tierra.

Returner

Una excelente cinta de ciencia ficcion y con un despliegue impresionante de efectos especiales que hacen recordar peliculas como matrix y los transformers, ademas de tener ciertas similitudes con terminator ya que una joven se ve obligada a regresar al pasado para asi evitar una guerra entre alienigenas y la raza humana.
Cinta que te hara pasar un rato agradable recomendada para toda la famila y te dejo con el trailer para que termines de convencerte

SILMIDO
Pelicula coreana que trata de un grupos de delincuentes condenados a muerte que son absueltos con la condición (obligatoria por cierto) de integrarse a un escuadron de elite del ejercito para matar a un lider que impide la unificación de las dos coreas, para lo cual son sometidos a durisimos entrenamientos para disciplinarnos convirtiendose en fervientes soldados hasta que el encubierto proyecto es disuelto y esto termina en un dramatico y patriotico final (para los coreanos).
Pero tecnicamente la pelicula es gratificante en lo visual, tiene un ritmo endemoniado pero en ningun momento es una pelicula aburrida. Las actuaciones estan en un gran nivel, especialmente Kyung-gu Sol que para mi es un actorazo de los mejores de corea.
Ademas esta basada en un hecho real,una excelente opcion para un buen fin de semana
Este es el trailer!!!

Trouble every day (sangre canibal)

Por Paco Latorre

Fue Sófocles, si no me equivoco, quién interpelado por algún efebo griego al que seguro le ponía el culo fino afirmó que haber llegado a la vejez le hacía sentir libre pues había conseguido liberarse del amor, que según él le perseguía “como un animal furioso y fiero”. Cualquiera que haya leído y soportado mis infumables reseñas habrá notado una tendencia hacia la pataleta romántica, en el sentido más mundano del término, sin duda causada por una especie de síndrome de Peter Pan que me convierte en un bobalicón con la cabeza en las nubes para el que las películas que ha visto, los discos que ha escuchado y los libros que ha leído le sirven de guía para una vida en la que parece condenado a la hostia continua por resistirse a aceptar que, por cojones, hay una cosa llamada ficción y otra realidad. La referencia a Sófocles es la mejor manera de introducir lo que “Trouble every day” significa y como es una pesadilla de la que todo romántico se alimenta. Si el cine ha hecho del amor y la muerte los temas centrales de su poco más de siglo de vida es porque como vómito vital de nosotros se convierte en terreno para soñar la ficción de nuestra realidad, quizás en un empeño basado en paliar, aunque sea a fuerza de mentira, aquello que en nuestra realidad real (y no puedo evitar reírme un poco al escribir esto) ya es irremediable, sea porque no pudo ser o porque nunca ha existido. Una persona cualquiera (y no miro a nadie) puede sentir la tragedia romántica de, por ejemplo, Wong Kar Wai como si fuese la suya propia, sin pararse a preguntar lo sincero de tal creación, sólo porque en algún momento se ha visto allí reconocido y porque esa ficción, en caso de ser efectivamente ficción, es su ficción. He mencionado a Wong Kar Wai por ser, quizás muy a su pesar, la punta del iceberg de lo que el romanticismo cinematográfico significa hoy en día, y pese al injusto encumbramiento que tal autor ha sufrido por parte de la crítica cinematográfica más anquilosada y de la correspondiente e infame fauna de gafas de pasta filmotequeros, me parece adecuado mentarlo como hermano bueno del aquí hermano malo, que es “Trouble Every Day”. Si lo que en el hongkonés es poesía corporal y susurro angustiosos sobre el anhelo, en la película de Claire Denis es grito histérico a pleno pulmón sin dejar de lado esa poética de miradas, roces y encuentros furtivos. Porque no nos engañemos: tanto hablan de cómo el deseo y el amor se matan el uno al otro en “2046” como en “Trouble Every Day”. La película de Claire Denis es sincera desde el mismo punto de vista temático: eros y thanatos son nuestras vidas, y todo lo que hay en medio de ellos está muy cerca situado. Ciertamente el argumento de la película es digno de una caspa de la Full Moon (desde aquí mis gracias a los hermanos Band: sigan haciendo pelis, por favor) si lo tomamos al pie de la letra y no negaré que en momentos resulta efectista y maniqueísta. No considero que sea para nada malo. Al fin y al cabo, una película que habla sobre el amor ha de tener su punto importante de estética, y su efectismo entronca con la intención misma de ese argumento que se me presenta como excusa muy bien camuflada, porque lo que se quiere contar esta muy claro, y a nivel literal: el deseo nos devora, y por él nos comemos vivos los unos a otros. Como ese animal furioso y fiero. Es el anhelo lo que convierte el amor en deseo, y es su desproporcionada fuerza la que luego nos hiere pidiendo más al no complacernos nunca. Tanto Beatrice Dalle como Vincent Gallo buscan algo en ese deseo que confunde con amor y viceversa, sin que su hambre cese nunca. La decepción nos hace seguir insistiendo porque debe de haber algo más, tenemos que llegar a sentir algo especial. Si “Trouble Every Day” es tan violenta y sangrienta es porque es la metáfora en estado bruto, es la personificación de el dolor físico que el amor produce. Ya no sólo sufre alguien a quien le rompen el corazón, sino también aquel que lo rompe. Igual me estoy equivocando y estoy soltando mi discursito sobre una película hecha con quién sabe que finalidad por cuatro culturetas gilipollas y que no tiene nada que ver con lo que yo digo. ¿Confundiendo realidad y ficción?, es que no escarmiento. Puede ser, pero yo lo veo así, y ahora mismo no sé si he escrito sobre “Trouble Every Day” o sobre mi mismo, pero me da igual, porque la mirada final de Vincent Gallo tras toda esa sangrienta búsqueda que no sacia , me sigue pareciendo que dice lo mismo: no hay consuelo. Estamos solos. Para siempre.

Soldados de Dios

The Prophecy (1995), aunque sea con su terrible título español, Ángeles y demonios. Y aquel que no la conozca, debería. No solamente por ser uno de los más rescatables ejemplos de explotación de mitología cristiana que proliferaron al final del milenio pasado, sino también porque fue precisamente esta película la que dio un nuevo aire a la carrera de Christopher Walken, aumentando aún más (si cabe) su popularidad al encarnar a la versión más desenfadada de un serafín que viene a la Tierra buscando pelea.
Argumentalmente hablando The Prophecy es cristianismo pop: al parecer, el Arcángel Gabriel (un Christopher Walken que parece salido de los Rolling Stones) se ha rebelado contra Dios y ha inciado una segunda guerra en el Cielo, que piensa ganar bajando a la Tierra para apoderarse del alma más maligna de todos los tiempos. Por desgracia se le adelanta uno de los ángeles fieles (Eric Stolz), que roba dicha alma y la esconde en el sitio menos esperado. No cuento más porque, en realidad, dicha historia es lo de menos: en numerosas ocasiones se descalabra por completo, y su rigurosidad hacia los elementos icónicos de la religión no resistiría el análisis más superficial. Y sin embargo, dentro de su aparente frivolidad, la película esconde un empleo bastante eficiente del atractivo estético de los ángeles y sus contrapartes infernales, por supuesto teniendo en cuento menos a Win Wenders y más a Alan Moore. Además, gran parte del disfrute de la cinta se va en la contemplación de Christopher Walken, cuya primera y silente aparición ciertamente no presagia la ruptura que representa para una película que, a juzgar por sus primeras imágenes, se presentaba mucho más oscura y tenebrosa. El Gabriel que nos depara su intérprete irrumpe con un tono irreverente de estrella de rock que no pierde oportunidad de lanzar comentarios despreciativos e incluso se recrea en largas secuencias de humor en las que simplemente "juega" con los humanos a los que considera inferiores (esto se aprecia no sólo en sus no-todavía-muertos ayudantes sino también en una escena en la que se le ve rodeado de niños).
El elenco más allá de Walken es principalmente decorativo. Elias Koteas (el Robert de Niro de los pobres) y Virginia Madsen son en teoría los protagonistas, pero la verdad es que no pintan nada y perfectamente podrían haber estado ausentes sin que la coherencia de la trama se resintiese demasiado. Eric Stolz (creíble al menos en su papel de ángel "bueno") es robado así de un puesto de héroe que por lógica le hubiese correspondido, ya que aparte de los momentos de humor destinados a los nada voluntariosos ayudantes de Gabriel (elemento normalmente usado en historias vampíricas) la verdad es que los personajes humanos no resultan muy atractivos. El único actor que llega a hacerle sombra a nuestro villano es, de hecho, un magnífico Viggo Mortensen que acapara la pantalla en un pequeño pero contudente papel al final de la película. Esto, una vez más, nos confirma que durante años tuvimos ante nosotros a un gran actor y nadie se dio cuenta.
Definitivamente la película no es perfecta. Sin embargo, dentro de su liga de bastardizaciones cristianas, The Prophecy tiene aquello que le faltó a Constantine (2005): un personaje con el carisma suficiente para sostener la película por sí solo.

Crepusculo

Por Maria del Carmen

Hola, buscando entre los libros leídos y en internet recordé que hoy en día se está llevando a cabo otro fenómeno literario muy sonado entre jóvenes, que está próximo a ser película el 12 de Diciembre, me refiero a la serie de Crepúsculo de la autora norteamericana Stephenie Meyer. Encontré el libro mientras investigaba la biografía de ciertos actores hasta que me encontré con que uno de ellos protagonizaría una nueva película sobre vampiros, me llamó la atención porque no es un tema que procuro dentro de mis lecturas pero decidí informarme y encontrar el libro, poco después de haberlos conseguido se puede decir que los devoré. Definitivamente son una gran obra que merece el crédito de Best Seller que ganó.

El libro más que nada está enfocado a jóvenes aunque a sido leído por adultos y a obtenido audiencia entre todas las edades, el libro trata de problemas de adolescentes, principalmente de la protagonista que se ve sumergida en otro mundo que pertenece a su misma realidad, cuando se enamora perdidamente de un vampiro después de haberse mudado a una ciudad pequeña y desagradable para ella. La historia gira entorno a estos dos personajes Edward y Bella, quienes tienen que superar las pruebas que la vida les pone para probarse el amor que se tienen y el todo que están dispuestos a entregarse el uno al otro.

Creo que la novela ha tenido tanto éxito gracias al tema, a los adolescentes principalmente a las mujeres, les gusta leer la historia de una chica con una vida normal que se ve sorprendida por la llegada de su tan esperado príncipe azul. En ésta, se sugiere que el tal príncipe azul no es más que un humano en cuanto a sentimientos y pensamientos tomando en cuenta las características de un vampiro (inmortalidad, sed de sangre, fuerza y velocidad sobre humanas, etc.) Bella tiene que lidiar con todo lo que conlleva un noviazgo con un ser salido de novelas de fantasía. Creo que la historia se adapta a los tiempos en los que vivimos, si bien se desarrolla en la modernidad, creo que los jóvenes se sienten atraídos porque se muestran las situaciones más simples por las que pasamos, todo lo que tenemos que afrontar como los miedos, celos, incertidumbre, tristezas y alegrías, todo reflejado en una novela que concentra toda la normalidad posible en un personaje y agrega a otro completamente lleno de magia que balancea la realidad de la trama.
Lo recomiendo mucho, el libro está muy interesante, con buena historia y sé que a las mujeres les encantará al igual que a hombres.

Pertenece al nuevo género de la literatura llamado Juvenil Romántica, este género incluye novelas que llevan adolescentes como protagonistas que enfrentan aventuras y casi siempre terminan enamorándose.

Les dejo una reseña del primer libro:

Cuando Isabella Swan se muda a Forks, una pequeña localidad del estado de Washington en la que nunca deja de llover, piensa que es lo más aburrido que le podía haber ocurrido en la vida. Pero su vida da un giro excitante y aterrador una vez que se encuentra con el misterioso y seductor Edward Cullen. Hasta ese momento, Edward se las ha arreglado para mantener en secreto su identidad vampírica, pero ahora nadie se encuentra a salvo, y sobre todo Isabella, la persona a quien más quiere Edward...

Saludos
Ma. Del Carmen

He aqui el Video de la pelicula

Este es el trailer

RESISTIR

Por Lilith Nergal

.-..'No todas las personas saben lo que significa resistir, o poder estar en pie frente a una difícil situación .. es porque no todos han vivido lo mismo y no todos lo vivirán ..El tiempo y los hechos me han enseñado que el Resistir es algo escencial ya que dependo y dependemos de aquello siempre. La vida siempre nos presenta variadas situaciones, pero las que más nos pone en juego son las difíciles; el tener un gigantesco problema y cargar con ello es lo que enseña a decidir, y nos dirige al Resistir, ya que resolverlo conlleva su debido tiempo. Buscar la solución y que sea la adecuada tiene una tardanza enorme, y en el camino no hay que fallar ya que significaría un doble sufrimiento o más aún, dependiendo de las veces que caigas. Para tener presente, cuando una persona cae no debe sentirse avergonzado, ni tampoco quedarse en el lugar, lo que debe hacer es levantarse e intentarlo denuevo, y si no hay una solución, sólo hay seguir adelante. Hay veces en las que podemos reparar las cosas de una buena forma en la que todos quedemos felices, contentos; hay veces en las que podemos arreglar las cosas pero queda un resentimiento dentro, que por más que se ignore no se puede borrar; y veces en las que simplemente la solución es drástica y no se puede remediar. Es difícil aprender a vivir con algunas de esas situaciones, y más aún con todas, pero no es imposible, y la vida siempre va a tener su lado positivo; y es que TODO depende de UNO.

Gracias por existir Lilith de parte del Vampiro!!!